Die Grammys

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Besonderheit

Ohne New York gäbe es Hip-Hop nicht. Ohne die Beiträge, den Stil und die einzigartigen Kulturen der Viertel in Brooklyn, Queens, Manhattan und Staten Island hätte sich die Kunstform nicht zu dem Moloch entwickelt, der sie heute ist.

New York ist unbestritten der Geburtsort des Hip-Hop, aber welcher der fünf Bezirke der Stadt das Genre dominiert hat, ist weiterhin eine lebhafte Debatte unter Gelehrten und Einheimischen.

Die „Boogie Down“ Bronx ist der Ursprungsort der Hip-Hop-Geschichte. Hier veranstaltete Clive Campbell alias DJ Kool Herc 1973 eine Party im Aufenthaltsraum, die den Hip-Hop, wie wir ihn kennen, in Bewegung brachte. Der nördlichste Bezirk der Stadt ist die Heimat bahnbrechender Künstler, von den OGs Grandmaster Flash und Slick Rick bis hin zu zeitgenössischen Stars wie Cardi B.

Die Argumente für Queens – Heimat von Def Jam Records und einer Vielzahl von GRAMMY-prämierten und nominierten Rappern von Run-DMC und Salt-N-Pepa bis hin zu LL Cool J und Nicki Minaj – werden oft vorgebracht.

Auf ihrem Track „Lighters Up“ aus dem Jahr 2005 erklärt Lil‘ Kim Brooklyn zur „Heimat der größten Rapper“. Es ist schwer zu argumentieren. Allein Marcy Projects würde uns Christopher Wallace alias Biggie Smalls und Jay-Z bescheren.

Manhattan spielt auch eine Rolle bei der Entwicklung des Hip-Hop als Spielplatz, auf dem sich Rapper in den 70er und 80er Jahren mit Punks, Rockern und der florierenden Kunstszene vermischten. Elemente jeder dieser sich entwickelnden Kunstformen gipfeln in der Musik der Beastie Boys. Und weil er so oft als Westküsten-Rapper bezeichnet wird, vergisst man leicht, dass Tupac Shakur in Manhattan geboren wurde.

Staten Island ist natürlich die Heimat des einzigen Wu-Tang-Clans und seiner vielfältigen Kosmologie. Sogar die Vororte können sich großer Beiträge rühmen – Long Island ist die Heimat von Public Enemy und Erik B & Rakim; Fahren Sie nördlich der Bronx nach Westchester County und betreten Sie das Zuhause des verstorbenen Rapper DMX.

Wenn wir uns die einzelnen Bezirke ansehen, wird deutlich, dass es die Kultur und Kunst des Hip-Hop ohne New York nicht geben würde. Ohne die Beiträge, den Stil und die einzigartigen Kulturen der Viertel in Brooklyn, Queens, Manhattan und Staten hätte sich die Kunstform nicht zu dem Moloch entwickelt, der sie heute ist. Drücken Sie in der Amazon Music-Playlist unten auf „Play“ – oder besuchen Sie Spotify, Pandora und Apple Music – um eine Hörtour durch die besten Bezirke zu unternehmen.

Um das 50-jährige Jubiläum des Hip-Hop zu feiern, steigen Sie in den Zug und reisen Sie von Bezirk zu Bezirk, um seine einzigartige Geschichte und Klänge kennenzulernen.

Wenn Sie die Bandbreite des New Yorker Hip-Hop erkunden, werden Sie auf Künstler stoßen, die eine tiefe und komplexe Beziehung zur Stadt haben. Biz Markie zum Beispiel wurde in einem Teil der Stadt geboren, wuchs in einem anderen auf und beanspruchte die Mitgliedschaft in einer Crew für einen ganz anderen Bezirk. Seine Geschichte und die anderer, die viele Blumen verdienen, zeigen, dass Hip-Hop zwar nach Region und U-Bahn-Linie unterteilt werden kann, es aber die Dichte, der Multikulturalismus und eine urbane Innovation des Big Apple sind, die ihn zu einer der wohl größten Kunstformen Amerikas gemacht haben.

Die Masseneinwanderung aus Puerto Rico und der Dominikanischen Republik in den 1950er-Jahren machte die Bronx Mitte der 70er-Jahre zum Bezirk mit der größten Mehrheit von Schwarzen und Latinos in New York City. Es ist kein Zufall, dass die Bronx auch von der Stadtregierung völlig unversorgt war, was zu düsteren wirtschaftlichen Bedingungen führte.

„Kinder mit geringen oder keinen Ressourcen haben etwas aus dem Nichts erschaffen“, sagte Sha Rock, MC Sha Rock von Funky Four Plus One, gegenüber ABC News über die Ursprünge des Hip-Hop. „Egal, was zu dieser Zeit in New York City um uns herum passierte, wir freuten uns auf die Parkstaus.“

Diese Jams beinhalteten Breakdance, DJ-Mixing und MCing – alles Schlüsselelemente des Hip-Hop, der von House-Partys und Underground-Veranstaltungsorten in ein stadtweites Bewusstsein gelangte. „Hip-Hop hieß in den 70ern nicht Hip-Hop, sondern ‚Going to the Jam‘“, fuhr Sha Rock fort.

Ein paar Jahre bevor die Park-Jams losgingen, brachte DJ Kool Hercs Party im Aufenthaltsraum im August 1973 den Hip-Hop, wie wir ihn kennen, auf die Landkarte. Herc nahm klassische Platten und beliebte Hits, zerlegte die Beats und lud MCs ein, darüber zu singen, wobei sie sich auf den jamaikanischen Vortragsstil beriefen, indem sie redeten oder sangen, normalerweise in einer monotonen Melodie, über einem Rhythmus, der im Reggae als „Toasting“ bekannt ist.

1975 förderte die Bronx Boys Rocking Crew (oder TBB) ein weiteres Element des Hip-Hop, als sie bis spät in die Nacht Tagging-Sessions organisierte. Diese jungen Graffiti-Künstler brachten die Farbe und das Leben ihres Stadtteils in den Rest der Stadt, während bemalte U-Bahnen für bewegende Leinwände und Kontroversen sorgten.

Als es zu den Park-Jams kam, hatten sich einige Graffiti-Crews auf Wettkampftanz spezialisiert. Mit Bewegungen aus Kampfsport, Gymnastik und modernem Tanz würden B-Boys und B-Girls durch „Breaking, Popping und Locking“ für Hip-Hop als Kunstform genauso wichtig werden wie Musik. Das Brechen als Kunst erfreut sich weiterhin großer Beliebtheit und wird bald eine olympische Sportart sein.

In der Bronx geborene Künstler wie Funky Four Plus One, Grandmaster Flash, Afrika Bambaataa, Melle Mel und Kurtis Blow wurden in den 1970er Jahren zu Pionieren des Genres und prägten in den 80er Jahren den Hip-Hop mit.

Der Bezirk rühmte sich unter anderem mit Kool Keith, KRS One, Big Pun, Fat Joe und Cardi B als Acts, die den Platz der Bronx in der Hip-Hop-Kultur neu geprägt haben. Der Bezirk beherbergt heute das Universal Hip-Hop Museum und wird Veranstaltungsort für Veranstaltungen in Sedgwick und ein 50-Jahre-Hip-Hop-Konzert im Yankee Stadium sein.

Im Jahr 1990 war Brooklyn das schwärzeste Viertel New Yorks, 73,1 Prozent der schwarzen Einwohner waren Einheimische. Im vergangenen Jahrzehnt hatten Rapper aus Brooklyn im Hip-Hop eine herausragende Stellung erlangt, und Ende der 1990er-Jahre richtete sich die Aufmerksamkeit der ganzen Welt auf Brooklyn.

Cutmaster DC ist für seinen Einsatz von drei Plattenspielern bekannt und erwähnte Brooklyn in seinen frühen Titeln „Brooklyn’s in the House“ und „Brooklyn Rocks the Best“ erstmals als eine treibende Kraft in der Hip-Hop-Musik. Diese frühen 80er-Jahre-Tracks zeigten auch DCs bahnbrechende Technik, Breaks über Roland TR-909-Beats zu schneiden, ein markanter Moment für den technischen Fortschritt des Hip-Hop.

Durch die Kombination von Geschwindigkeit, Stil und Humor hätten nur wenige die Synkopen und Kadenz des Hip-Hop so stark beeinflusst wie Big Daddy Kane. In ihrer Liste der größten Hip-Hop-Songs aller Zeiten aus dem Jahr 2012 bezeichnete der Rolling Stone Kane als „einen Meisterwortschmied des späten goldenen Zeitalters des Rap und einen großen Einfluss auf eine Generation von MCs“. Innerhalb weniger Jahre würde der Brooklyn-Flow durch die langsame, bewusste Ankündigung des Notorious BIG neu definiert werden, dessen Vortrag zu einem der am meisten interpolierten in der Rap-Geschichte werden würde.

Die Stile beider würden von einem jungen Rapper aus Brooklyn namens Shawn Carter nachgeahmt und verfeinert. Der später als Jay-Z bekannte Künstler besuchte die George Westinghouse High School in der Innenstadt von Brooklyn, wo zu seinen Klassenkameraden Busta Rhymes, Biggie und DMX gehörten – alle spielten eine entscheidende Rolle bei der Entwicklung der Rap-Stile.

Der Bezirk war nicht nur ein Jungenclub. MC Lyte, Foxy Brown und neue Rapper wie Young MA setzen Brooklyn weiterhin auf die musikalische Landkarte.

Am 11. August 2023 werden die Einheimischen aus Brooklyn (und GRAMMY-Gewinner) Digable Planets als Headliner bei „Celebrate Brooklyn!“ auftreten. 50-jähriges Hip-Hop-Jubiläum des Festivals.

Als flächenmäßig größter Bezirk hält Queens den Guiness-Weltrekord für die meisten gesprochenen Sprachen und erhielt aufgrund seiner vielfältigen Bevölkerung den Spitznamen „Der Weltbezirk“. Während der Bronx-Hip-Hop aus der schwarzen amerikanischen und karibischen Kultur stammt, erkundet der Queen-Hip-Hop die Welt. Während in den 1970er Jahren die Bronx den Hip-Hop hervorbrachte, reifte die Kunstform in den 1980er Jahren im östlichen Bezirk Queens heran.

Die Hip-Hop-Geschichte von Queen hat ihre Wurzeln in zwei spezifischen Bereichen: den Queenborough Projects und Hollis. Die Queensboro Projects, auch bekannt als „The Bridge“, waren eines der wenigen nicht getrennten Projekte in New York. Es war auch die Heimat von Marley Marl, der das Sampling zufällig entdeckte, als er Anfang der 80er Jahre als Studiopraktikant an einer Captain Rock-Platte arbeitete.

„Eigentlich habe ich versucht, ein Riff aus einer Platte herauszubekommen. Ich habe einen Fehler gemacht und die Snare reingesteckt, bevor der Ton kam“, erzählte er gegenüber NPR. „Die Snare klang besser als die Snare, die ich von der Drum-Maschine hatte, als ich sie einschaltete … Ich dachte nur: „Halt!“ Dadurch kann ich jede Kick und Snare von jeder Platte übernehmen, die die Leute lieben und zu meiner machen eigener Beat. Marls‘ Verwendung des 808-Impulses zum Auslösen verschiedener Sampler war revolutionär und er wurde zum Pionier für seine Fähigkeit, gesampelte und 808-Drum-Sounds zu mischen.

Marls Beitrag würde über das Technische hinausgehen. Als Mitglied der Juice Crew brachte er die Stimme der 14-jährigen Roxanne Shanté in die Welt. Sie schuf eine neue Spur für Frauen im Rap sowie die Blaupause für den Diss-Track auf dem bahnbrechenden „Roxanne’s Revenge“.

Etwa eine halbe Stunde östlich mit dem F Train in Hollis, Queens, gründeten die Brüder Joseph und Russel Simmons (jeweils DJ und Promoter) Run-DMC mit ihren Freunden Darryl Mc Daniels und Jason Mizell. Der Sound von Run-DMC zeichnete sich durch eine synchronisierte, aggressive Darbietung über einfache, aber einprägsame Rock-Hooks und Beats aus. Später gründete die Gruppe Def Jam Records, das Label, das beweisen sollte, dass Rap Millionen von Platten an ein Top-40-Publikum verkaufen und Rap als erste Rapper, die auf MTV zu sehen waren, in den Mainstream bringen konnte.

So wertvoll die musikalischen Beiträge von Run-DMC auch sind, so wichtig sind sie für die Entwicklung der Mode als Element des Hip-Hop. Streetstyle, wie er später genannt wird, ist in Queens geboren: Kangol-Hüte, offene Addias, Carzal-Rahmen und dicke Goldketten sind heute ebenso ein Synonym für Hip-Hop wie Beats und Samples. Heutzutage ist Mode für Hip-Hop so zentral und umgekehrt, dass das New Yorker FIT Museum kürzlich eine umfangreiche Ausstellung zum Hip-Hop-Stil veranstaltete.“

Complex verkündete, dass Nas‘ Illmatic „eine seismische Wende in der Rap-Geopolitik auslöste“ und fügte hinzu, dass das Album von 1994 „den Queensbridge-Hip-Hop und damit auch den Ostküsten-Rap als Ganzes in Aufruhr versetzte“. Seinem introspektiven und poetischen Ansatz beim Schreiben wird zugeschrieben, dass er das Beste aus seinen Zeitgenossen herausholte und Rapper der nächsten Generation wie Killer Mike und Kendrick Lamar inspirierte, indem er sie dazu herausforderte, seine lyrische Messlatte kennenzulernen.

Obwohl „The Fly Borough“ am dichtesten besiedelt ist, konzentriert sich der Großteil seiner Hip-Hop-Geschichte auf den Stadtteil Harlem im Norden Manhattans.

Als Heimat des legendären Apollo Theaters war das Viertel stark in der schwarzen Musik verwurzelt, als der Veteran des Zweiten Weltkriegs, Bobby Robinson, 1946 Bobby's Records eröffnete – damals eines der wenigen Geschäfte in Harlems, die von Schwarzen geführt wurden. Der Plattenladen würde sich weiterentwickeln, ebenso wie Robinsons Engagement für die Musik. Er wurde Produzent und Labelchef, dessen Label Enjoy Records 1970 Musik von den ersten Hip-Hop-Innovatoren veröffentlichte, darunter Grandmaster Flash, The Treacherous Three und Doug E. Fresh. Auf dem Label würde auch Master Don vertreten sein, dessen charakteristischer Einsatz eines „Funk Box“-Percussion-Synthesizers und seiner knackigen digitalen Hi-Hat noch heute in der Trap-Musik zu hören ist.

Harlem war auch die Heimat von Dapper Dan, dem ersten Designer, der sich Designerwaren „borgte“ und sie mit Hip-Hop-Flair modifizierte. Seine Boutique war von 1982 bis 1992 in Betrieb und trug wesentlich zur Verschmelzung von Luxusmarken und Hip-Hop-Kultur bei. Obwohl Marken wie Gucci zunächst wegen Urheberrechtsverletzung verklagt wurden, erkannten sie schließlich den Wert der Markenmacht von Hip-Hop für den Verkauf hochwertiger Mode. Im Jahr 2018 arbeiteten Dapper Dan und Gucci an einer Kapselkollektion zusammen.

Auch während dieses Kulturbooms in den 80er Jahren wandten drei Highschool-Schüler aus Manhattan das Ethos des Punkrocks auf die aufkommenden Straßensounds des Hip-Hop an.

Die Beastie Boys begannen mit der Raubkopie von Rap, selbstbewusst „Rhyming and Stealing“ für ihr Def-Jam-Debüt License to Ill aus dem Jahr 1986, und beschritten dann eine neue Spur für das Medium. Sie brachen alle Regeln des Samplings und der Produktion mit ihrem bahnbrechenden Album Paul's Boutique, das laut Rolling Stone oft als „The Sargent Pepper of Hip-Hop“ bezeichnet und für seine Layer-Sampling-Technik gelobt wird. In ihrem Ranking von Paul's Boutique schrieb Consequence of Sound: „Paul's Boutique saß an der Ziellinie und wartete darauf, dass der Rest der Welt aufholte.“

Während die Außenbezirke in den 90er- und 2000er-Jahren musikalisch die meiste Aufmerksamkeit genossen, konzentrierte sich Harlem in den 2010er-Jahren wieder auf Hip-Hop, als junge Rapper wie Azealia Banks und das ASAP Mob-Kollektiv aufkamen.

RZA, GZA, Method Man, Raekwon, Ghostface Killah, Inspectah Deck, U-God, Masta Killa und Ol' Dirty Bastard und später Cappadonna würden sowohl als Gruppe als auch als Solokünstler Erfolg haben. absichtlich die „Big Six“ der großen Plattenfirmen der 1990er Jahre zu infiltrieren. Sie können auch den Einfluss von RZA auf moderne Acts wie El Michels Affair hören, die sich von Wu-Tangs melodischer Interpretation der Instrumentierung inspirieren lassen und zwei Alben mit instrumentalen Soul-Covern von Wu-Tang-Clan-Songs veröffentlicht haben.

Ihre Wirkung würde jedoch weit über die Musik hinausgehen. Der Hip-Hop-Biograf Will Ashon berichtete über Wus Einfluss auf die Mode und stellte fest, dass die Gruppe Teil eines Vereinfachungstrends sei.

„Ihr gesamter Modus Operandi bestand darin, sich als echt und unverfälscht zu präsentieren, daher musste ihre Kleidungsauswahl dies widerspiegeln. Die Rohheit und Direktheit der Musik sollte sich in der Rohheit und Direktheit ihrer Kleidung widerspiegeln. Sie waren ein großer Teil davon.“ In den frühen 1990er-Jahren tendiert man zu weiten und übergroßen Kleidungsstücken. Riesige Kampfhosen oder Jogginghosen, Timberland-Stiefel, Kapuzenpullis, Puffas, Do-Rags, goldene Fronten und so weiter. Ein „Straßensoldaten“-Look.“

Wie zu erwarten ist, hat Wus Präsenz bei zukünftigen Künstlern aus Staten Island, darunter G4 Boys und Killarmy, eine große Bedeutung. Neue Künstler wie Cleotrapa, eine scharfsinnige, kompromisslose weibliche Rapperin, betrachten Wu-Tang ebenfalls als Einfluss und tragen dazu bei, Statens nächstes Kapitel zu definieren.

Die Geschichte der Schnittstelle zwischen New York City und der Hip-Hop-Kultur ist so groß und vielfältig wie die Stadt selbst. Wir konnten in diesem Artikel nur auf eine Handvoll Künstler und Schöpfer eingehen, aber das Thema wurde ausführlich in Büchern wie „Cant Stop Wont Stop“ von Jeff Chang und „The Come Up: An Oral History of the Rise of Hip-Hop“ behandelt. Dokumentarfilme über Hip-Hop sind auf fast allen Streaming-Plattformen zu finden, darunter „Hip-Hop Evolution“ und „Ladies First: The Story of Women in Hip-Hop“ von Netflix.

Hören Sie sich die Playlist zum 50-jährigen Jubiläum des Hip-Hop von GRAMMY.com an: 50 Songs, die die Entwicklung des Genres zeigen

Fotos: Miikka Skaffari/WireImage; Marcus Ingram/Getty Images; Gary Miller/Getty Images; Tim Mosenfelder/Getty Images; Patrick O'Brien Smith; Mit freundlicher Genehmigung des Künstlers

Liste

Jazz, Psychedelic Rock, Ambient und mehr durchdringen die Arbeit von Künstlern wie Kassa Overall und Decuma. Lernen Sie anlässlich des 50. Geburtstags des Hip-Hop die Künstler kennen, die die vielfältigen Klänge des Genres weiter vorantreiben.

DJ Kool Herc experimentierte mit Soul-Gesang und Drum-Breaks, als er den heutigen Break-Beat erfand – genau das Element, das am 11. August 1973 das Genre hervorbrachte.

Hip-Hop wurde buchstäblich aus einem Sample aufgebaut. Und in den Jahrzehnten seitdem ist das Genre von denselben Allesfresser-Instinkten gediehen, oft sogar so weit, dass selbst die Begriffe „Rap“ und „Hip-Hop“ nicht präzise genug erscheinen, um die Innovation und schiere Vielfalt des Genres zu beschreiben. (Fünf Jahre bevor Kanye West Rap zum neuen Rock'n'Roll erklärte, um seine Popularität zu beschreiben, war der Rapper Open Mike Eagle aus Los Angeles nicht einmal damit zufrieden, dass das Wort "Indie" an seine Hip-Hop-Marke angeheftet wurde: "Das ist Meiner Meinung nach ist der Begriff zu pauschal, um ihn wirklich auf das anzuwenden, was ich zu tun versuche.")

Während Hip-Hop 50 Jahre alt wird, zeigen die Künstler hinter einigen seiner aufregendsten Veröffentlichungen, dass die Grenzen des Genres mehr denn je durchlässig sind – und dass das Überschreiten von Grenzen in seiner DNA liegt.

„Ich kann nicht behaupten, dass ich bei der Genremischung besonders methodisch vorgehe. … Meine Emotionen steigen einfach in mir auf und strömen in der Form heraus, die mein Gehirn entscheidet“, sagte Decuma einmal. Der Rapper und Produzent war bescheiden.

„Let's Play Pretend“ aus dem Jahr 2023 bietet die bestmögliche Erklärung für seine Mischung aus Hip-Hop, Ambient und experimentellen Genres, als wäre er von Xiu Er rappt im vierten Titel „Basketball“.

Durch diese Genremischung drückt Decuma mit bewundernswerter Präzision das Trauma aus, das aus körperlicher, sexueller und rassistischer Gewalt resultiert. Es unterstreicht auch Texte wie „Ich bin so allein mit meinen Geheimnissen, und deshalb habe ich sie mit diesem verdammten Stofftiger geteilt, nur damit jemand es hören kann.“ Wie es sich anfühlte, seiner Unschuld beraubt zu werden, könnte nicht deutlicher ausgedrückt werden.

Im September wird Decuma ein neues Album mit dem Titel „Feeding the World Serpent“ veröffentlichen.

Während sie 2023 ihr Album-Art-Studium abbrach, schuf Jamee Cornelia einen nachvollziehbaren, modernen Soundtrack zum Gig-Economy-Lebensstil. Bei „Campus Radio“ gibt Cornelia kurz vor, sie sei eine College-Radio-Discjockeyin. Mit ihrer besten Late-Night-FM-Stimme neckt sie ein Interview mit dem vielversprechendsten Musiker ihrer Schule, in dem es darum geht, „wie es ist, ein Vollzeitstudent, ein Kassierer mit Mindestlohn und ein Tourmusiker zu sein“.

Anstatt jedoch nur ihre Worte zu verwenden, nutzt Cornelia ihren vielfältigen künstlerischen Hintergrund – etwa als sie Videofilmerin für ihr Skate-Team war, bis „Odd Future passierte und alle meine Freunde Rapper wurden“ –, um darzustellen, wie es sich anfühlt, diese vielfältigen Hektik unter einen Hut zu bringen. Manchmal kann sich die Arbeit in der Gig Economy wie eine „Routine“ anfühlen, bei der das Schreiben von To-Do-Listen für die Woche und den Monat so einfach gelingt, wie sie in die Tasche passt. Manchmal ist es genauso zermürbend und kathartisch wie „Rock!“, wo knackige Hardrock-Gitarren auf Club-Gesänge im Three 6 Mafia-Stil treffen.

In Klang und Substanz schafft Cornelia geschickt eine Welt, in der es sich für nötig hält, jeden noch so kleinen Job (oder eigentlich jedes Genre) anzunehmen.

Der GRAMMY-nominierte Bandleader, Schlagzeuger, Produzent und Rapper hat bereits darüber gesprochen, dass Jazz und Rap eine umfassendere Geschichte der schwarzen Musik in Amerika bieten als sie einzeln. Er hat auch erklärt, warum es in unserer modernen Zeit sinnvoll ist, Rap-Sensibilitäten in die Jazzmusik einzuführen.

„Jemand wie Louis Armstrong oder Dizzy Gillespie – ein Drittel von ihnen war die Energie von Lil B und Danny Brown.“ „Deshalb war es Feuer und Flamme“, sagte er im Mai zu GRAMMY.com. Aber sein neuestes Album „Animals“ zeigt auch, wie die Beziehung zwischen Jazz und Rap für beide Seiten von Vorteil sein kann.

Auf „Ready to Ball“ sind Kassas ironische Gedanken über die Musikindustrie („Ich brauche einen Vertrag mit ein paar Reißverschlüssen und einer vollen Quinte / nur um auf der Kanzel die Wahrheit zu sagen / dass das alles nur Bullen sind …“) eine Grundlage Kraft, inmitten eines suchenden Klaviers und hüpfender Percussion. Diese wenigen Sekunden wirken lehrreich und zeigen, dass Rap nicht immer ordentliche Loops aus der Improvisationsnatur des Jazz machen muss, um zu gedeihen.

Vor „Let's Start Here.“ hat die zweifache GRAMMY-Nominierte Lil Yachty bereits die Grenzen des Hip-Hop überschritten. Während er sich selbst zum „König der Teenager“ erklärte, war die Einstellung des tatsächlichen Teenagers zum Rap zunächst respektlos, was dazu beitrug, dass die SoundCloud-Generation ein leichtes Ziel für Klassiker wurde. Erst nach seinem Debütalbum „Teenage Emotions“ aus dem Jahr 2017 beschäftigte sich Yachty damit, einen guten Ruf innerhalb des Genres zu schaffen – sei es durch Hommagen in Mixtape-Länge an den Hip-Hop des Mittleren Westens oder durch Schreiben und Produzieren für City Girls, Drake und 21 Savage.

Doch laut Kevin „Coach K“ Lee, Mitbegründer von Lil Yachtys Label Quality Control, fangen wir hier an. ist das Album, das Yachty schon immer machen wollte: eine psychedelische Rock-Coming-of-Age-Reise, inspiriert von Pink Floyds „Dark Side of the Moon“ und unter anderem mit Hilfe von Chairlift, Mac DeMarco und Unknown Mortal Orchestra. „Er wollte dieses Album vom ersten Tag an machen, an dem wir ihn unter Vertrag genommen haben. Aber wissen Sie – als Hip-Hop-Künstler muss man das Spiel spielen“, sagte Coach K gegenüber Billboard.

Questlove sagte, er habe 24 Stunden gebraucht, um Yachtys „Abflugprotokoll“ zu bearbeiten. Aber die Erklärung, nach der der Roots-Bandleader suchte, findet sich im Outro von „WE SAW THE SUN!“, in dem Yachty den Maler Bob Ross probiert. „Lassen Sie Ihrer Fantasie einfach freien Lauf“, sagt Ross. „Lass dich von deinem Herzen leiten.“

Anfang der 2010er Jahre musste McKinley Dixon mit einer Live-Band auftreten, um Bühnenzeit zu bekommen. Andernfalls würden seine Auftritte gekürzt, weil Musikveranstaltungsorte davon ausgingen, dass „Rapper nicht als so interessant angesehen werden, es sei denn, sie haben eine Band“, sagt Dixon.

Heutzutage ist die Einbeziehung von Live-Instrumenten und die Inspiration aus anderen Genres jedoch ein wichtiger Teil von McKinleys kreativem Prozess und wie er seinem Geschichtenerzählen Ernsthaftigkeit verleiht: „Meine Musik besteht darin, dass ich Death Note schaue, während die Red Hot Chili Peppers darüber spielen“, sagt er sagte PAPIER.

Unterdessen präsentiert Dixon in „Sun, I Rise“ eine wandernde Harfe, die über das üppige Jazz-Rap-Arrangement des Liedes schlendert. „OG hat mir auf den Hinterkopf geschlagen / sagte: ‚Hör auf, herumzufummeln / Du fällst nur, wenn du denkst, du bist schlauer als die anderen / schießt dich nieder.‘“, rappt Dixon. Dies unterstreicht die bevorstehende Reise in seinem neuen Album Beloved!, Paradise! Jazz!?, eine Untersuchung darüber, wie schwarze Jungen inmitten von Kräften erwachsen werden, die sie anflehen, noch schneller erwachsen zu werden.

Vor sieben Jahren, gerade als Prinzessin Nokia sich gerade als Hip-Hop-Künstlerin etablierte, hatte sie genreübergreifende Visionen für ihre Kunst, die sogar Alexis Petridis, Chefkritiker für Rock und Pop im The Guardian, verblüffte. „Ich werde gerne GG Allin der Hip-Hop-Welt sein“, sagte sie und bezog sich dabei auf den größten degenerierten Punk, den es je gab.

Die Musikanspielungen in ihrem neuesten Album „I love you but this is goodbye“ aus dem Jahr 2023 sind bei weitem nicht so aufsehenerregend. Aber da das Album allein in den ersten drei Titeln von Pop-Punk („Closure“) zu Jungle („Complicated“) und Cyberpop („The Fool“) wechselt, bleibt die Erweiterung der Hip-Hop-Grenzen die Art und Weise, wie Prinzessin Nokia ihre Autonomie zelebriert . Diesmal nicht nur als Künstlerin, sondern auch als reife Frau, die lernt, dass eine romantische Beziehung niemals dazu gedacht ist, sie zu vervollständigen. Sogar „Happy“, eine R&B-Rap-Reminiszenz aus den 90ern, bringt diesen Punkt zum Ausdruck, indem sie in ihrem Hook „Clint Eastwood“ von Gorillaz interpoliert: „I'm useless, but not for long / the Future is Coming On.“

Hören Sie sich die Playlist zum 50-jährigen Jubiläum des Hip-Hop von GRAMMY.com an: 50 Songs, die die Entwicklung des Genres zeigen

Foto: Johnny Nunez/WireImage

Besonderheit

In einem Interview mit GRAMMY.com diskutieren die Hip-Hop-Pioniere DJ Kool Herc und Cindy Campbell über die Ursprünge der Kultur in ihrem Aufenthaltsraum in ihrer Wohnung und die unzähligen Arten, wie ihre jamaikanische Herkunft den Hip-Hop beeinflusst hat.

Am 11. August 1973 veranstaltete die Highschool-Schülerin Cindy Campbell eine Party im Aufenthaltsraum des Wohnhauses ihrer Familie in der Bronx, um Geld für neue Schulanfangskleidung zu verdienen. Cindy schrieb Einladungen handschriftlich auf Karteikarten und verlangte eine bescheidene Eintrittsgebühr (25 Cent für Damen, 50 Cent für „Typen“); Sie bat ihren 18-jährigen Bruder Clive, die Musik zu spielen.

Clive, besser bekannt als DJ Kool Herc, baute seine Plattenspieler, Mixer, Verstärker und hoch aufragenden Lautsprecherboxen auf, aus denen eine Mischung aus Funk- und Soul-Platten dröhnte. Hercs Kumpel, der aus der Bronx stammende Coke La Rock, rief hin und wieder „Freunde“ und reimte sich über die Instrumentalpausen der Platten, um die Menge anzuheizen. Während die große Beteiligung ihrer Mitschüler sicherstellte, dass Cindy das Schuljahr mit der neuesten Mode beginnen würde, hatten die Geschwister etwas unendlich Wichtigeres getan: Cindy und Herc lösten eine Bewegung aus.

Der genaue Ursprung eines Musikgenres lässt sich selten auf ein einzelnes Ereignis zurückführen. Aber die Party von Cindy und Herc in der 1520 Sedgwick Avenue, die vor 50 Jahren stattfand, gilt weithin als Grundstein für die Entstehung des Hip-Hop.

„Von meiner Schulanfangsparty, auf der mein Bruder Herc spielte, und seinem Einfluss auf die Musik, die Lieder und die Beats, die er wählte, wusste er, dass er dort etwas Besonderes hatte. Er dominierte die 1970er Jahre und schuf das, was wir als hip bezeichnen.“ -hop“, sagte Cindy Campbell kürzlich in einem Telefoninterview zu GRAMMY.com, und Herc beteiligte sich später an der Unterhaltung.

Aber der Begriff Hip-Hop, der die vier Elemente der Bewegung umfasst – Moderator oder Rap, Breakdance, Graffiti und Turntabling – wurde erst einige Jahre nach der Schulanfangsparty verwendet.

Laut Cindy war der Film „Beat Street“ aus dem Jahr 1984, bei dem Harry Belafonte als ausführender Produzent fungierte, eines der bedeutsamsten Ereignisse für die frühe Profilierung des Hip-Hop. „Irgendwann wussten die Leute nicht, wohin sich Hip-Hop entwickelt, er blieb unter dem Radar, aber Harry machte den Film, weil er wusste, dass etwas Besonderes vor sich ging; er brachte Hip-Hop auf ein neues Level und die Musik wurde international.“ „, überlegt sie.

Jahrzehnte später feiert Hip-Hop mehrere Meilensteine ​​und Herc wird seine Blumen bekommen.

Am 3. November wird DJ Kool Herc im Rahmen einer Zeremonie im Barclays Center in Brooklyn in die Rock and Roll Hall of Fame aufgenommen.

„Ich würde sagen, es ist langsam an der Zeit, aber ich bin ihnen nicht böse, denn Willie Nelson wird dieses Jahr aufgenommen und ist 90!“ witzelt Herc. Die Rock Hall identifiziert Herc, 67, als einen der Begründer des Hip-Hop, aber Herc bietet eine Klarstellung: „Ich bin der Gründervater des Hip-Hop“, behauptet er, „weil das niemand sonst gemacht hat, als ich angefangen habe.“ ."

Clive Campbell, ein ehemaliger Graffiti-Künstler, dessen Name CLYDE (von der falschen Aussprache von Clive durch seine Freunde) AS KOOL (aus einer Zigarettenwerbung) lautete, erhielt in der High School den Spitznamen Hercules für seine imposante, muskulöse Statur und seine hervorragenden sportlichen Leistungen. Aber es war Hercs Hintergrund als Tänzer, der zu seiner bahnbrechenden Technik als DJ führte.

Hinter den Plattenspielern achtete Herc genau auf die Tänzer auf seinen Partys und ihre Reaktionen auf seine Musikauswahl; Er bemerkte, dass sie vor allem von den Instrumentalpausen des Liedes begeistert waren. Aufbauend auf dieser Beobachtung verwendete Herc zwei Kopien derselben Schallplatte auf zwei Plattenspielern, wechselte mit einem Mixer zwischen ihnen und verlängerte das kurze Schlagintervall eines Songs zu einer ausgedehnten, hypnotischen rhythmischen Schleife. Er nannte seinen unverwechselbaren Ansatz das Karussell und er würde andere wegweisende Hip-Hop-DJs aus der Bronx beeinflussen, darunter Grandmaster Flash und Afrika Bambaataa.

„Ich hatte zwei Kopien derselben Platte und habe mich für das Eigelb und die Butter entschieden. Ich habe die Beats und den Break gefunden und das habe ich auf allen Platten gespielt“, erinnert sich Herc. „Ich hatte damals keine Kopfhörer, aber ich konnte die Pausen in den Rillen der Platte sehen und ging einfach hin und her. Als die Tänzer das hörten, wollten sie nur noch die Pausen hören. „Andere DJs hatten Platten“, bietet Herc an: „Aber ich hatte einen Stil, den sie nicht hatten, Hercs Stil, das Karussell.“

Hip-Hop: Entstanden aus einer vielseitigen Klanglandschaft

Wie sein Vater, der ein begeisterter Plattensammler war, hörte Herc eine vielseitige Auswahl an Musik: die klassischen jamaikanischen Ska-Singles von Prince Buster and the Skatalites, die ikonischen Country-Klagen von Jim Reeves, Soul-Nuggets und Top-40-Hits. „Früher hörte ich WWRL AM und [die New Yorker Radiolegenden] Frankie Crocker auf WBLS FM und Cousin Brucie auf WABC AM; ich hörte Boz Scaggs, Three Dog Night, „Sympathy for the Devil“ der Rolling Stones, '", teilte Herc mit.

Unabhängig vom Genre wählte Herc die Platten nach ihren Pausen aus und verwob sie zu einer berauschenden Klanglandschaft, die zur klanglichen Grundlage des Hip-Hops wurde. „Ich bin auf all diese Musik gekommen, kein Rassismus“, erklärt Herc. „Wenn Sie Chinesisch, Schwarz oder Weiß sind, ist alles in Ordnung, wir bluten alle rot, denn Jamaikas Motto lautet ‚Out Of Many One People‘.“

Clive und Cindy Campbell sind in Kingston, der Hauptstadt Jamaikas, geboren und aufgewachsen. Schon in jungen Jahren wurden sie mit der Soundsystem-Kultur der Insel vertraut gemacht – einer wichtigen Unterhaltungsplattform in den wirtschaftlich benachteiligten Gemeinden Jamaikas. Soundsysteme (mobile Diskotheken) tauchten erstmals Ende der 1940er Jahre in Kingston auf und verbreiteten sich in den 1950er und 1960er Jahren, wobei zunächst amerikanische R&B-Platten abgespielt wurden. Der Bedarf der Soundsysteme an exklusiver Musik beschleunigte jedoch die aufstrebende Aufnahmeindustrie Jamaikas, was zur Geburt von Ska, Rocksteady, Reggae und Dancehall führte.

Für jeden Sound gab es einen Selektor, der die Platten abspielte, und einen Moderator oder „DJ“ im jamaikanischen Sprachgebrauch, der sich auf die Instrumentalsegmente der Platten reimte oder „anstoßete“. Frühe Toaster wie Count Matchuki, gefolgt von King Stitt, verschmolzen ihren jamaikanischen Dialekt mit der Nachahmung der Radiosendungen, die sie von Sendern im Süden der USA hörten und die auf die Insel übertragen wurden.

Clive und Cindy beobachteten die beliebtesten Tonmänner der Ära, darunter Clement „Sir Coxsone“ Dodd (Downbeat the Ruler), Duke Reid (Trojan) und George Edwards, auch bekannt als King George von King Edwards Sound, der für Herc am einflussreichsten war, während sie sich aufstellten ihre jeweilige Ausrüstung am Nachmittag vor den Abendtänzen. „König Georg, so hat sich mein Ohr entwickelt, als ich ihm zugehört habe“, sagt Herc.

Die Tänze zogen große Menschenmengen an und generierten Einnahmen nicht nur für die Soundsysteme und die Veranstalter der Sitzungen, sondern auch für Essens- und Getränkeverkäufer und sogar für Schneider und Schneiderinnen, da viele Gäste neue Kleidung kauften, um besser auszusehen.

„Mein Vater war sehr musikbegeistert, er hatte die neueste Musik, ging auf Partys und einer seiner guten Freunde, Mr. Jim, war Coxsone Dodds Bruder“, sagt Cindy. „Wir waren zu jung, um teilzunehmen, aber unsere Eltern und Familienmitglieder sprachen über das Erlebnis. Die Tänze fanden draußen statt, sodass wir sahen, wie die Jamaikaner ihre Tänze aufführten und bewarben und was getan werden musste, um eine erfolgreiche Party zu veranstalten. Diese Dinge.“ hatte einen enormen Einfluss darauf, wie wir unsere Partys in der Bronx veranstalteten.

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Die Campbells wanderten in den 1960er Jahren in die Bronx, New York, aus. Ihr Umzug wurde von Clive und Cindys Mutter Nettie geleitet, die ein Krankenpflegestudium anstrebte. Clive kam 1967 in die Bronx. Mit Hilfe seines Vaters baute Herc sein eigenes Soundsystem auf, The Herculoids, dessen kraftvoller, grollender Klang das nachahmt, was er in seiner Jugend in Kingston gehört hatte, mit einem entscheidenden Unterschied. „Viele Jamaikaner betonen den Bass, um die Taille zu bewegen. Ich mag den Bass, aber ich zerlege das System gerne, weil es Höhen, Mitten und den Bass gibt, also habe ich es zerlegt.“

Herc produzierte hauptsächlich Funk und Soul, gelegentlich auch Rockplatten. „Ich habe Musik gemacht, manche für die Alten, manche für die Jungen. Ich nenne das den Stil der erwachsenen Leute“, erklärt Herc. „Wenn ich dazu tanzen kann, werde ich es spielen.“

Seine Karusselltechnik verwandelte die Pausen auf einer Reihe von Singles, von „Apache“ der Incredible Bongo Band über „Scorpio“ von Dennis Coffee, „Give It Up Turn It Loose“ von James Brown bis zu „Right Place“ von Dr. John. Wrong Time“ in ausgedehnte, hypnotische perkussive Jams. Hercs Vater sagte ihm, er solle die Etiketten von seinen Platten entfernen, um ihre Identität vor rivalisierenden DJs zu schützen, eine Praxis, die von Kingstons Soundsystem-Selektoren genutzt wird, um ihre Gegner bei Sound-Konflikten zu übertrumpfen.

Ende 1973 reichte der Aufenthaltsraum nicht mehr für die große Menschenmenge aus, die Hercs Partys besuchte, und so verlegten er und Coke La Rock ihre Sessions in Parks und Clubs in der gesamten Bronx. Aus den schnellen Rufen von Coke La Rock wurden Reime, die sich in Liedtexte verwandelten, darunter „Hotel, Motel, you don't tell, we won't tell“, das von Big Bank Hank der Sugar Hill Gang in der ersten Hit-Platte des Rap eingefügt wurde. „Rapper’s Delight.“ Die einflussreiche Vorlage, die La Rock etablierte, ist eine amerikanische Transplantation der Praxis jamaikanische DJs, über Schallplatten zu reden, die Mitte der 1970er-Jahre entstand.

Respekt vor den jamaikanischen Wurzeln der Kultur

Einige langjährige Hip-Hop-Fans, Blogger und sogar Historiker haben das jamaikanische Soundsystem als Grundlage für die Entwicklung der Kultur heruntergespielt. Selbst in Jamaika, wo Hip-Hop weithin gehört wird, sind sich viele der Abstammung der Bewegung nicht bewusst. „Uns ist klar, dass die Jamaikaner nie wirklich verstanden haben, was Hip-Hop bewirkt hat, wenn man bedenkt, dass wir von der Insel Jamaika stammen“, sagt Cindy.

Die möglicherweise einzige Hip-Hop-50-Veranstaltung, die sich mit der Komplexität der Verbindung zwischen Soundsystem und Hip-Hop beschäftigt, ist Faawud: Die offizielle Feier zum 50. Geburtstag des Hip-Hop der Jamaican Sound System Culture, die zu einem späteren Zeitpunkt stattfinden wird. Zu Faawud gehören ein Turntablist-Wettbewerb, ein freundschaftlicher Kampf zwischen einem Rap-Moderator und einem jamaikanischen Toaster sowie eine Ausstellung mit Audiokomponenten und Utensilien aus den Anfängen von Hip-Hop und Reggae, wobei die DJs King Addies, Revolution Sound und DJ Myte klassische Titel spielen. repräsentiert beide Genres.

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An einer Podiumsdiskussion, die sich mit den Wurzeln des Hip-Hop-Soundsystems beschäftigt, werden Herc, Grandmaster Kaz (Moderator/Anführer der bahnbrechenden Hip-Hop-Gruppe Cold Crush Brothers), der Cindy und Hercs sagenumwobenen Back-to-School-Jam besuchte, und Danny Dread, der ehrwürdige, langjährige Selektor, teilnehmen mit King Addies, die ihr 40-jähriges Jubiläum feiern. Danny und Herc werden jeweils 15-minütige Sets spielen und am 11. August um Mitternacht wird Herc den offiziellen Geburtstag des Hip-Hop einläuten.

Cindy Campbell, Kool Herc und Coke LaRock erhalten Auszeichnungen, ebenso wie ihre jamaikanischen Kollegen Danny Dread und der erfahrene Toaster Big Youth, einer der ersten DJs, die seit den frühen 1970er Jahren Platten veröffentlichten.

„Jamaikanische und karibische Künstler hatten einen unglaublichen Einfluss auf die Geburt und das Wachstum des Hip-Hop und ihr Einfluss wurde zu lange übersehen“, kommentiert James Cuthbert, Präsident von Rock The Bells, einem der Präsentationspartner von Faawud. „Wenn wir im 50. Jahr des Hip-Hop die Kultur und die Ikonen, die sie geschaffen haben, ehren wollen, müssen wir es richtig machen.“

Im Jahr 2021 erklärte ein Kongressbeschluss 1520 Sedgwick Avenue offiziell zum Geburtsort des Hip-Hop, nachdem es zu einem Kampf gegen Vermieter kam, die das historische Wohnhaus schließen wollten. Um das Gebäude zu retten, arbeiteten Herc und Cindy mit dem New Yorker Senator Chuck Schumer zusammen, der über ihre Leistungen als Einwanderer in New York City staunte.

„Senator Schumer sagte: ‚Mein Gott, das ist eine Einwanderungsgeschichte‘“, sagt Cindy. „Hip-Hop wurde in Amerika geboren, aber es ist eine fantastische Einwanderergeschichte. Die Leute wissen nicht, dass das zwei Einwanderer aus Jamaika getan haben. Warum? Weil wir unter dem Radar geflogen sind. Wir haben niemanden verklagt oder sind auf einen fahrenden Zug aufgesprungen.“ Wir haben dies oder das gemacht. Das mussten wir nicht, die 50 Jahre sprechen für sich.“

19 Konzerte und Events zur Feier des 50-jährigen Hip-Hop-Jubiläums

Liste

In den 2010er Jahren kam es zu einer erweiterten Medienlandschaft, die den Klang und die Wirkung von Hip-Hop insgesamt erweiterte. Zur weiteren Feier des 50-jährigen Hip-Hop-Jubiläums lesen Sie weiter für 10 entscheidende Songs und Alben, die das Jahrzehnt geprägt haben.

Nur wenige Genres haben sich in den letzten fünf Jahrzehnten so bemerkenswert weiterentwickelt wie Hip-Hop, und in den unheimlich jungen, aber fernen 2010er Jahren erlebte das Genre seinen fortschrittlichsten Höhepunkt. Legendäre Acts und frischgebackene Stars haben die kulturellen und musikalischen Grenzen des Rap erweitert und den Weg für die Entstehung einer neuen Klasse von Künstlern geebnet, und für übersehene Regionen die verdiente Anerkennung gefunden.

Mit der Ausweitung der Hip-Hop-Mediensphäre überwanden Künstler, die sonst an ihren Standort gebunden gewesen wären, die unsichtbaren Barrieren der Rap-Musik, um sich als Mainstream-Erfolgskünstler zu etablieren. Die in Kanada geborenen Stars PartyNextDoor, The Weeknd und Drake übernahmen den Rap auf die gleiche Weise, wie die Briten in den 1960er Jahren die Rockmusik übernahmen, und dies wurde durch die grenzenlose Natur (und den beispiellosen Zugang zu Klang) des heutigen Rap-Fans ermöglicht.

Das Aufkommen von SoundCloud machte weniger bekannte Talente wie Playboi Carti, Lil Uzi Vert, 21 Savage und den verstorbenen Juice Wrld in rasantem Tempo zu Superstars. Diese Ära markierte auch eine klangliche Wende in der Branche, in der Künstler ihre Stile mit denen anderer Regionen verschmolzen. Aus diesem Grund haben Künstler wie Asap Rocky trotz seiner Herkunft aus Harlem Elemente von Houstons abgehacktem Sound in seine frühe Diskografie übernommen.

Legacy-Acts wie Jay-Z, Kanye West, Eminem und Nicki Minaj setzten ihre Herrschaft als Rap-Schwergewichte fort, wobei Plattenverkäufe und Preisgewinne ihren Einfluss unter Beweis stellten. In dieser Zeit entstanden auch die drei Hip-Hop-Reiter Drake, J. Cole und Kendrick Lamar, die in den 2010er-Jahren ihr Vermächtnis mit Chartstürmern und bahnbrechenden Alben hinterließen. Ihre Beiträge sowie die von Future, Big Sean, Travis Scott und Chance the Rapper bereiten die Bühne für das Jahrzehnt.

Lesen Sie weiter für 10 der folgenreichsten Veröffentlichungen der 2010er Jahre.

Nur ein Jahr nachdem er Taylor Swift während der MTV Video Music Awards 2009 auf der Bühne unterbrochen hatte, produzierte Kanye West, heute bekannt als Ye, das wohl beste Rap-Album des Jahrzehnts: My Beautiful Dark Twisted Fantasy.

Es war eine Karrierewende, die Rap-Fans aus den letzten Jahren eher bekannt ist, aber der Rapper aus Chicago meldete sich mit einem glänzenden Album auf epischem Niveau zurück, das den Höhepunkt seiner bis dahin – oder vielleicht jemals – besten Arbeit darstellte. Von „Dark Fantasy“ über „So Appalled“ bis hin zu „Gorgeous“ war West auf dem Höhepunkt seiner lyrischen Kräfte, als der Rapper und Produzent scharfzüngige Texte mit Wortschmieden wie Pusha T, CyHi The Prynce und Raekwon austauschte.

Das Album bereitete auch die Bühne für eine der besten Kollaborationen des Jahres, bei der West, Rihanna und Kid Cudi ihre kreativen Kräfte bündelten, um den wunderbar rhythmischen, mit einem GRAMMY ausgezeichneten Hit „All of The Lights“ zu erschaffen. Und Nicki Minaj-Fans beziehen sich immer noch darauf die Strophe des Stars zu „Monster“, in der sich der gebürtige Jamaica Queens mit dem Smash-Mouth-Track von den Rap-Titanen Jay-Z und Rick Ross abhob.

Nachdem er sich in der Mixtape-Szene mit den klassischen Projekten Kush & Orange Juice und Flight School einen Namen gemacht hatte, gelang Wiz Khalifa 2010 der Mainstream-Durchbruch in Form von „Black and Yellow“. Der Hit stärkte rechtzeitig für sein Debüt-Studioalbum „Rolling Papers“ das Profil des Rappers aus Pittsburgh und brachte seine Heimatstadt und die Taylor Gang-Crew auf die Hip-Hop-Landkarte.

Als die Pittsburgh Steelers 2011 den Super Bowl erreichten, wurde der von Stargate produzierte Hit zur inoffiziellen Hymne des Teams und brachte weitere Remixe in die gleiche Richtung hervor. „Black & Yellow (G-Mix)“ mit Snoop Dogg, Juicy J und T-Pain, der Rapper Fabolous aus Brooklyn ehrte die New York Yankees mit „White and Navy“ und Lil Wayne würdigte die Green Bay Packers mit „Green and“. Gelb."

Der Erfolg von „Black and Yellow“ öffnete Khalifa und seiner Truppe von Taylor-Gang-Talenten, darunter Künstlern wie Ty Dolla $ign, Chevy Woods und Three 6 Mafia-Legende Juicy J, die Türen zum Aufblühen Rostrum Records und der jüngste Vertragspartner Mac Miller, dem die Veröffentlichung seines gefeierten KIDS-Mixtapes noch Monate bevorstand und der später vor seinem unerwarteten Tod im Jahr 2018 ein Star werden sollte.

Die Stadt Chicago wurde mit der Veröffentlichung von Chief Keefs „I Don't Like“ in Aufruhr versetzt. Der von Young Chop produzierte Track machte den Drill-Sound der Stadt populär, der einen neuen Zustrom von Talenten aus der Windy City und ein Subgenre begründete, das später von britischen und New Yorker Rappern wie Fivio Foreign und dem verstorbenen Pop Smoke adaptiert wurde.

Die Wirkung des Straßenhits führte zu seiner Aufnahme in das GOOD Music-Compilation-Projekt Cruel Summer mit den Künstlern Pusha T, Kanye West, Big Sean und Jadakiss. „I Don't Like“ wurde später auf Keefs Debütalbum „Finally Rich“ platziert, was dazu beitrug, den Chicagoer Künstler weiter zu Mainstream-Berühmtheit zu katapultieren. Das Lied gilt immer noch als Startrampe für die Drill-Bewegung, wobei Keef als Urvater des gesamten Subgenres gilt.

Für viele Hip-Hop-Fans stellte Kendrick Lamars „Good Kid, MAAD City“ die Kontrolle der Westküste über das Rap-Geschäft wieder her, das jahrelang ausschließlich von The Game gehalten wurde.

Nach der Veröffentlichung von Lamars Independent-Album Section.80 verfolgte er in seinem zweiten Auftritt eher einen Mainstream-Ansatz, indem er seine Teenagerjahre in den von Banden und Verbrechen heimgesuchten Straßen von Compton aufzeichnete. Er engagierte Künstler wie Drake für den fließenden, von Janet Jackson gesampelten Hit „Poetic Justice“ und zog Legenden wie Dr. Dre für „Compton“ und Jay-Z für „Bitch, Don't Kill My Vibe – Remix“ hinzu.

Das mehrfach mit Platin ausgezeichnete Projekt wurde von Dj Dahi, Sounwave, Hit-Boy, Scoop DeVille, Just Blaze und anderen produziert, die atmosphärische und satte Bass-Beats lieferten, damit Lamars narratives Konzeptalbum zum Erfolg wurde. Good Kid, MAAD City brachte Lamar bei den GRAMMY Awards 2014 vier GRAMMY-Nominierungen ein, darunter das Album des Jahres. Und obwohl er an diesem Abend kein Grammophon mit nach Hause nahm, machte ihn sein Major-Label für die kommenden Jahre zum Gesicht des Westküsten-Rap.

Nachdem sie moderate Hits wie „Tony Montana“ und „Never Satisfied“ herausgebracht hatten, schlossen sich Drake und Future zu einer Zusammenarbeit auf Avengers-Niveau zusammen, die 2015 in „What a Time to be Alive“ ihren Höhepunkt fand.

Das Projekt kam zustande, nachdem Drake sich sechs Tage lang mit Future in Atlanta getroffen hatte. Ihre erste Aufnahme war „Digital Dash“, und von da an verschmolzen die beiden Künstler ihre jeweiligen Sounds zu einem Hyper-Trap-Mixtape voller Hits wie „Jumpman“ und „Big Rings“. Auf der Produktionsseite wurde „What a Time to be Alive“ größtenteils vom ausführenden Produzenten Metro Boomin betreut, der zusammen mit seinen Beatmacherkollegen Noah „40“ Shebib, Allen Ritter, Southside und Boi-1da acht der elf Songs des Projekts produzierte oder co-produzierte , und andere.

Die Veröffentlichung im Jahr 2015 war auch ein Vorgeschmack auf die spätere Zusammenarbeit von Future und Drake. Zukünftig engagierte Künstler wie der Rapper-Kollege Young Thug aus Atlanta für „Super Slimey“ und Lil Uzi Vert für „Pluto x Baby Pluto“ und Drake taten sich mit 21 Savage für „Her Loss“ aus dem Jahr 2022 zusammen.

Nachdem sie Hits wie „No Flex Zone“ und „No Type“ erzielt hatten, brachten die Brüder Swae Lee und Slim Jxmmi mit dem Hit „Black Beatles“ featuring Gucci Mane aus dem Jahr 2016 die Welt buchstäblich in Aufruhr. Die Single „SremmLife 2“ löste den Viral-Mannequin-Challenge aus, bei dem Social-Media-Nutzer in der Zeit stehen blieben, während eine Kamera ihre Umgebung filmte und im Hintergrund ihr Lied lief.

Abgesehen von den Internettrends war der Song ein Riesenerfolg, der der Gruppe und Gucci Mane ihren ersten Nr.-1-Song in den Billboard Hot 100 einbrachte. Der von Mike Will produzierte Titel sorgte auch für zusätzliche Verkäufe des zweiten Albums des Duos, das von 30.000 verkauften Exemplaren ausging äquivalente Einheiten in der ersten Woche auf über eine Million Verkäufe bis November 2017.

Jay-Z – 4:44 (2017)

Mit einem ebenso beeindruckenden Lebenslauf wie dem von Jay-Z war sein Anspruch als größter MC aller Zeiten schon lange vor der Veröffentlichung von 4:44 durchführbar. Aber die späte Veröffentlichung seiner Karriere trug nicht nur zu seiner illustren Diskographie bei; Es war eines der umfassendsten und transparentesten Werkwerke, die Hova je geschaffen hat.

In Tracks wie „Kill Jay-Z“ legte der Rapper aus Brooklyn seinen egoistischen Spitznamen ab, um den Hörern einen Einblick in seine Kindheit und vergangene Misserfolge als Mann Shawn Carter zu geben. In „Smile“ tritt er einen Schritt zurück, um über die Sexualität seiner Mutter und im Titeltrack über die Herausforderungen nachzudenken, denen er in seiner Ehe mit Beyoncé gegenüberstand.

Während viele 4:44 als Reaktion auf Beys Album „Lemonade“ betrachteten, betonte das Projekt auch die Bedeutung des gemeinsamen Erfolgs bei „Legacy“ und das Streben nach Generationenwohlstand bei „The Story of OJ“. 4:44 erhielt bei der 60. Auflage drei Nominierungen GRAMMY Awards, darunter „Song Of The Year“ und „Album Of The Year“.

Während der Golden Globe Awards 2017 gab der Rapper und Emmy-Gewinner Donald Glover ein Geständnis ab: „Bad and Boujee“ von Migos sei der „beste Song aller Zeiten“. Zu diesem Zeitpunkt war die Single aus dem Jahr 2016 bereits ein beliebter viraler Hit, und im Internet sprudelten Memes rund um den Liedtext „rain drop, drop top“. Aber Glovers Lob verhalf dem von G Koop und Metro Boomin produzierten Hit zum ersten Platz in den Billboard Hot 100, eine Premiere für die in Georgia geborene Rap-Gruppe und Künstlerin Lil Uzi Vert.

„Bad and Boujee“ etablierte die Migos als die angesagteste Rap-Gruppe der Ära und leitete die Soloprojekte und Geschäftsvorhaben jedes Mitglieds. Die mehrfach mit Platin ausgezeichnete Single wurde sogar für den GRAMMY Award 2018 in der Kategorie „Beste Rap-Performance“ nominiert.

Angesichts der unzähligen Platten in den 2010er-Jahren fällt es schwer zu entscheiden, welches Drake-Album in dieser Ära für das größte Aufsehen gesorgt hat, aber „God's Plan“ aus dem Jahr 2018 hat ein gutes Beispiel, wenn es um globale Reichweite geht. Produziert von Cardo, Young Exclusive, Boi-1da und seinem langjährigen Partner Noah „40“ Shebib, erreichte die mit einem GRAMMY ausgezeichnete Single die Charts in 14 Ländern und verzeichnete rekordverdächtige Streaming-Zahlen.

Obwohl der Pop-Trap-Hit bei seiner Veröffentlichung auf gemischte Kritiken stieß, übertraf „God's Plan“ die Streaming-Zahlen am ersten Tag von Apple Music und Spotify mit 14 Millionen bzw. 4,3 Millionen, die meisten Songs in diesem Jahr auf beiden Plattformen. In der ersten Woche erreichte der Song insgesamt 82,4 Millionen Streams.

„God's Plan“ war die Lead-Single von Drakes EP „Scary Hours“ und dem fünften Studioalbum „Skorpion“ und wurde bei den GRAMMYs 2019 vom Torontoer Künstler als bester Rap-Song ausgezeichnet. Das Musikvideo zum Lied, in dem der Rapper eine Million Dollar an Menschen in Florida verteilt, sorgte auch im Internet für Aufsehen und verzeichnete im Juli 2023 unzählige Social-Media-Memes und über 1,5 Milliarden Aufrufe auf YouTube.

Die Geschichte von Cardi B, die vom Reality-TV-Star zur GRAMMY-prämierten Künstlerin aufstieg, bewies, dass es mehr als eine Königin geben kann, die über die Rap-Szene herrscht. Und ihr bahnbrechendes Debüt „Invasion of Privacy“ inspirierte eine neue Legion von Künstlerinnen, die davon träumten, ihren jeweiligen Thron zu besetzen.

Mit Straßenhymnen wie „Bodak Yellow“, „Bartier Cardi“ und dem Reggaeton-inspirierten „I Like It“ mit J Balvin und Bad Bunny stellte Cardi ihr Talent für eingängige Hooklines, scharfe Texte und die farbenfrohe Persönlichkeit unter Beweis, die sich hinter der Frechheit verbirgt , aggressive Strömung. Die Produzenten DJ Mustard, Allen Ritter, Benny Blanco, Boi-1da und andere machten das Projekt zum Album des Jahres.

Neben dem Gewinn des Rap-Albums des Jahres bei den GRAMMYs 2019 belegte „Invasion of Privacy“ bei seiner Veröffentlichung den ersten Platz in den Billboard 200, womit Cardi zu diesem Zeitpunkt erst die fünfte Rapperin war, die es an die Spitze der Charts schaffte. Auch in den Jahren nach seiner Veröffentlichung schreibt das Album weiterhin Geschichte für die „WAP“-Künstlerin, die laut Billboard die erste Frau war, deren sämtliche Songs ihres Albums Platinstatus erreichten, als „Invasion of Privacy“ im Jahr 2022 den Meilenstein erreichte.

Wesentliche Hip-Hop-Veröffentlichungen aus den 2000ern: TI, Lil Wayne, Kid Cudi und mehr

Foto: ANGELA WEISS/AFP über Getty Images

Liste

Von Blockpartys in Washington, D.C. über eine einwöchige Feier im Lincoln Center in Manhattan bis hin zu einem Festival in Atlanta – lesen Sie weiter, um eine Liste der 50. Jahrestage der Hip-Hop-Feierlichkeiten im ganzen Land zu erhalten.

Hip-Hop wurde auf einer bescheidenen Party geboren und entwickelte sich zu einer endgültigen Bewegung. Am 11. August 1973 bat Cindy Campbell ihren Bruder Clive (bekannt unter seinem Künstlernamen DJ Kool Herc), bei einer von ihr organisierten Schulspendenaktion als DJ aufzutreten. Diese Veranstaltung, die in einem Gemeinschaftsraum in einem Wohnhaus in der Bronx stattfand, ebnete nicht nur den Weg für ein Genre, sondern auch für eine Bewegung. Heute hat Hip-Hop weltweit Politik, Bildung, Mode, Technologie und Popkultur beeinflusst.

In diesem Jahr feiert Hip-Hop sein 50-jähriges Jubiläum. Daher finden in den fünf Bezirken von New York City und im ganzen Land natürlich zahlreiche Ausstellungen, Blockpartys und Konzerte statt, um den Einfluss des Genres zu feiern. Hier ist eine ausgewählte Liste von Veranstaltungen, die dieser bahnbrechenden Bewegung und diesem wichtigen Meilenstein gedenken werden.

Verschiedene Städte

30. Juni - 14. Oktober

Ein wichtiges Element aller Hip-Hop 50-Events besteht darin, Legenden ihre Blumen zu schenken, und die Masters of The Mic: Hip-Hop 50 Tour ist ein Treffen einiger Pioniere des Genres. Die von Universal Attractions Agency (UAA), RAMP Entertainment Agency und Mahogany Entertainment organisierte Tour bietet Auftritte von Big Daddy Kane, Doug E. Fresh, KRS-One, Rakim und Slick Rick. EPMD, Roxanne Shante und DJ Spinderella werden ebenfalls in ausgewählten Städten auftauchen.

„Obwohl die Kultur ihren Ursprung in der Bronx hat, findet sie bei jedem auf der ganzen Welt Anklang, und ein großer Dank geht an Doug, Rick, Kane, KRS und Rakim“, sagt Nick Szatmari (Co-Produzent der Tour) von der UAA. in einer Pressemitteilung: „Wer waren die Pioniere, die es vom Block auf die Werbetafeln gebracht haben? Es gibt keinen der ikonischen Rapper von heute, ohne dass sie auf dem Fundament stehen, das die Masters of the Mic in den 1980er-Jahren gelegt haben.“ 90er Jahre.“

Die Wanderung begann am 30. Juni beim Essence Fest und endet am 14. Oktober in San Antonio.

New York City

28. Juli – 21. Oktober

Der Einfluss des Hip-Hop geht über die Musik hinaus und einige der größten Stars des Genres wurden zu ebenso erfolgreichen Schauspielern.

Das Queen's the Museum of the Moving Image präsentiert Hip-Hop-Künstler in Filmen mit Vorführungen von Baby Boy, 8 Mile, Barbershop und Poetic Justice. Die Reihe „Real Rap: Hip-Hop Star Power on Screen“ umfasst spezielle Einführungen, Diskussionen, eine Spoken-Word-Show und eine Sommertanzparty.

New York City

20. Juli, 27. Juli, 3. August

Die Uptown Bounce-Reihe – veranstaltet vom Museum of the City of New York, El Museo del Barrio und The Africa Center – findet seit 10 Jahren in Manhattan statt.

Im Jahr 2023 feiern die Museen ihr Jubiläum und das Hip-Hop-Jubiläum im Africa Centre in Harlem. An drei verschiedenen Terminen werden an den kostenlosen Sommer-Blockpartys Gäste wie DJ Birane für „Afrobeats and Hip-Hop“ und DJ Misbehavior für „I Love the '90s“ teilnehmen.

New York City

26. Juli - 16. September

Das globale Unterhaltungsunternehmen Mass Appeal, das Hybrid-Kreativstudio SUPERBIEN und die Certified-Plattform von Sony Music Entertainment haben sich zusammengetan, um die immersive Ausstellung „Hip Hop Til Infinity“ zu schaffen.

Zu sehen in der Hall des Lumières, New Yorks größtem permanenten Zentrum für individuell gestaltete immersive Kunsterlebnisse, nimmt Hip Hop Til Infinity die Besucher mit auf eine Reise durch die verschiedenen Epochen und Regionen des Rap. Es umfasst Hörpartys, Live-Panels, Künstlertreffen, virtuelle Konzerte und eine Metaverse-Integration.

„An einem Ort wie der Hall des Lumières würde man nicht erwarten, Hip-Hop zu sehen“, sagte Jon Colclough, Vizepräsident für Kreativstrategie bei Mass Appeal, gegenüber Artnet News. „Ich glaube nicht, dass die Leute verstehen, dass Hip-Hop ein globales Phänomen ist und nicht nur Musik.“

New York City

27. Juli

Der in Brooklyn geborene Fotograf Jamel Shabazz dokumentiert seit den 80er Jahren die Hip-Hop-Kultur und -Community in allen Bezirken. Seine neue Installation „Faces and Places, 1980–2023“ im Brooklyn Museum ist eine visuelle Reise in die Vergangenheit.

Die Ausstellung läuft bis September, aber am 27. Juli wird der Künstler mit Kurator Drew Sawyer ein vertrauliches Gespräch über die Bedeutung seiner Arbeit führen.

Brooklyn, New York

Laufend

Die Brooklyn Public Library hat kürzlich ein immersives Erlebnis über einen der legendärsten Rapper des Bezirks, Jay-Z, vorgestellt. Das von Roc Nation erstellte The Book of HOV enthält „noch nie zuvor gesehene Bilder, Kunst und Ephemera aus den Archiven des Künstlers und bietet einen beispiellosen Einblick in ein außergewöhnliches Leben und eine außergewöhnliche Karriere.“

Verteilt auf zwei Etagen in der zentralen Zweigstelle der Bibliothek – zusätzlich zu einer Installation an der Fassade des Gebäudes – wird das Buch von HOV in acht Kapiteln ausgestellt, die den Aufstieg des GRAMMY-Gewinners zu Ruhm und Erfolg detailliert beschreiben. Zu den Besonderheiten der Ausstellung gehört eine Nachbildung der Baseline Studios, in denen Jay-Z klassische Alben wie „The Blueprint“ und „The Black Album“ aufgenommen hat.

New York City

5. August

Die New York Public Library hat sich mit dem New Victory Theater in New York für eine Sonderausgabe der Dance Party NYC zusammengetan. Die kostenlose Veranstaltung umfasst Tanzstunden von den New Victory Teaching Artists Olney Edmondson und Sun Kim, einen Sneaker-Design-Workshop und Anmeldungen für den NYPL-Sonderedition-Hip-Hop-Bibliotheksausweis.

Am selben Tag veranstaltet die NYPL auch eine Veranstaltung namens The Rap Up. Es umfasst Podiumsdiskussionen und Hip-Hop-Ausstellungen mit dem Chefredakteur des VIBE-Magazins Datwon Thomas, Wild Style-Regisseur Charlie Ahearn, der Rap-Legende Fab 5 Freddy, den Streetwear-Designern 5001 Flavors und April Walker und mehr.

New York City

5. August

Das Line-up für das diesjährige Rock The Bells Festival ist vollgepackt mit Künstlern, die dazu beigetragen haben, Hip-Hop in die Welt zu bringen.

„Wir haben es uns zur Priorität gemacht, die Hip-Hop-Kultur zu würdigen! Dies ist eine Feier für Künstler, die im 50. Jubiläumsjahr des Hip-Hop den Weg geebnet haben, und für die Legionen von Fans auf der ganzen Welt“, sagte James Cuthbert, Präsident von Rock The Bells eine Pressemitteilung. „Die Bühne ist bereitet für die überfällige Anerkennung und Feier unserer Kultur und der Fans, die sie leben und atmen. Dieses Line-up repräsentiert Ikonen und Künstler aus verschiedenen Jahrzehnten, Städten und Stilen und stellt sicher, dass Fans das bestmögliche Hip-Hop-Erlebnis haben.“

Das Festival verfügt tatsächlich über eine beeindruckende Liste an Ikonen, darunter Queen Latifah, De La Soul, Slick Rick, Salt-N-Pepa, Ludacris, Method Man & Redman, Swizz Beatz und viele mehr.

New York City

11.-12. August

Seit 45 Jahren wird BRIC als integrative Institution verehrt, die sowohl vielseitige Newcomer als auch erfahrene Legenden im Hip-Hop und R&B ins Rampenlicht stellt. Die in Brooklyn ansässige Marke ist vor allem für ihr BRIC Celebrate Brooklyn! Festival, das am längsten laufende Festival für freie darstellende Künste in New York. Anlässlich des 50-jährigen Hip-Hop-Jubiläums planen die Organisatoren ein Wochenende voller Spaß, bei dem die Gemeinschaft im Mittelpunkt steht.

Am 11. August feiert BRIC Brooklyn! wird ein Konzert mit dem Jazz-/Alternative-Rap-Trio Digable Planets – das den 30. Jahrestag seines Debüts Reachin' (A New Refutation of Time and Space) feiert – und der Southern-Rapperin Kari Faux veranstalten. Am folgenden Tag wird die Institution eine Vorführung der romantischen Komödie und Liebesbrief an den Hip-Hop-Künstler Brown Sugar aus dem Jahr 2002 veranstalten.

„Wir sind überaus erfreut, der Welt an diesem Programmwochenende den BRIC-Hip-Hop vorzustellen und unsere Communities rund um die gemeinsame Liebe zur Hip-Hop-Kultur zusammenzubringen“, sagte BRIC-Präsident Wes Jackson in einer Pressemitteilung. „Wir verpflichten uns, der Bildung, dem Ausdruck und der Entwicklung des Hip-Hop nicht nur in diesem Sommer, sondern auch in den kommenden Jahren ein immergrünes Zuhause zu bieten.“

New York City

10. August

Die Wurzeln des Hip-Hop liegen im Reggae und Dancehall, da DJ Kool Herc und Cindy Campbell jamaikanischer Abstammung sind. Im Jahr 1973 liehen sich Herc und Moderator Coke LaRock Elemente von jamaikanischen Soundsystemen und Toastern aus und erschufen so den Sound des Hip-Hop. Um die Schönheit der Vermischung von Kulturen zu würdigen, haben LL Cool J's Rock the Bells, Live Nation's Bowery Presents, Impulse Nation und die Jamaica Music Conference Faawud angekündigt: Die offizielle 50. Feier des Hip-Hop der Jamaican Sound System Culture.

Die Veranstaltung findet in der Webster Hall in New York City statt und umfasst einen Kampf zwischen einem Hip-Hop-Moderator und einem jamaikanischen Toaster, eine Ausstellung mit verschiedenen Erinnerungsstücken (wie Audiokomponenten und Poster) aus den Anfängen des Genres und eine Podiumsdiskussion mit Herc , Großmeister Kaz und der jamaikanische Selektor Danny Dread.

New York City

11. August

Das Universal Hip-Hop Museum in der Bronx feiert den Geburtsort des Genres mit einer Blockparty. Die kostenlose Veranstaltung findet im Mill Pond Park statt und beinhaltet einen Red Bull BC One Open Cypher, eine „Rapmania“-Ausstellung und Wandgemälde von Thrive Collective, einer Organisation, die Kunst-, Sport- und Mentoring-Möglichkeiten an öffentlichen Schulen in New York anbietet.

Atlanta, Georgia

11.-13. August

Boom Bap Atlanta arbeitet mit The Hype Magazine für ein dreitägiges Festival zusammen, das in der Park Tavern und im Piedmont Park der Stadt stattfindet. Das Hip Hop 50 Fest findet in Verbindung mit dem BeREGGAE Music & Arts Festival Weekend statt.

Das kostenlose Erlebnis im Piedmont Park bietet eine entspannte Picknick-Atmosphäre mit Verkäufern und Hip-Hop-Musik aus den Lautsprechern. Das kostenpflichtige Erlebnis in der Park Tavern umfasst Auftritte und Gespräche von Künstlern und Kulturschaffenden. Die täglichen Veranstaltungen sind wie folgt: Die Hype Magazine 21st Anniversary Party und das Grassroots Seminar am 11. August, eine Hommage an die Muttersprachen am 12. August und die Veranstaltung „Beats & Lyrics & Flow & Substance“ am 13. August.

New York City

11. August

Das Yankee Stadium der Bronx verwandelt sich mit Hip-Hop 50 Live in ein episches Fest der Rap-Musik. Run-DMC, Lil Wayne, Snoop Dogg und Ice Cube werden das legendäre Stadion erobern. Außerdem wird es besondere Auftritte geben, darunter ein „Queens of Hip Hop“-Set mit Eve, Lil Kim, Remy Ma, Trina und anderen. In einem „Pillars of Hip-Hop“-Set werden die Rap-Vorreiter Kurtis Blow, Melle Mel, Roxanne Shante und mehr auftreten.

„Es ist mir eine Ehre, die Bühne in der Bronx, dem Geburtsort des Hip Hop, zu betreten und alle meine Helden zu feiern“, sagte Rev Run in einer Pressemitteilung. „Der 11. August ist der 50. Geburtstag von Hip Hop! Also… ‚Oben in der Bronx‘, wo alles begann, werden wir diesen historischen Moment in der Geschichte feiern! Es ist mir eine Ehre, der Kultur Tribut zu zollen, die es diesem kleinen schüchternen Kind aus Queens ermöglicht hat, aufzuwachsen.“ Steh auf und werde der mächtige King of Rock! Danke, Hip Hop!!!“ sagte DMC in einer Pressemitteilung.

Weitere Künstler sind TI, Fat Joe, Common, A$AP Ferg, EPMD, Ghostface Killah, Lupe Fiasco und Slick Rick. Ein DJ-Set wird Clark Kent, Marley Marl, Mannie Fresh und Battlecat umfassen.

Washington, D.C

12. August

Die erste Hip-Hop-Blockparty des Smithsonian National Museum of African American History and Culture (NMAAHC) verzeichnete im Jahr 2022 8.000 Besucher. In diesem Jahr planen sie, sie zum besonderen Jubiläum des Genres noch größer zu machen. NMAAHC wird eine Panelausstellung im Freien installieren, die neue Hip-Hop-Artefakte aus der Sammlung des Museums hervorhebt. Neben Auftritten von DJs, Künstlern und Kulturschaffenden (noch nicht bekannt gegeben) können die Besucher auch an Aktivitäten wie Graffiti-Kunst und Breakdance teilnehmen.

Außerdem wird es Hip-Hop-orientierte Führungen durch die Galerien des NMAAHC geben und die Rückkehr des Club Café mit einer von Rap inspirierten Speisekarte. Die kostenlose Veranstaltung findet in der National Mall an der Kreuzung Madison Drive NW und 14th Street statt.

Dallas, Texas

12. August

Dallas hat einige der einflussreichsten Rap-Künstler hervorgebracht, darunter The DOC, Yella Beezy, Bobby Sessions, Dorrough und Post Malone. Die Stadt plant, ihre Hip-Hop-Szene mit einer kostenlosen Veranstaltung im Armory DE zu würdigen. Die Veranstaltung wird vom lokalen Rapper Rakim Al Jabbaar und The Farmacy Family organisiert und umfasst Auftritte, DJ-Sets und Auftritte von Fat Pimp, Bobo Luciano, Kottonmouth Jesse und Pikahsso.

New York City

12. August

Das Lincoln Center in New York plant eine beeindruckende Reihe von Veranstaltungen für seine Hip-Hop-Woche, die vom 9. bis 12. August stattfindet. Von einer „Ladies of Hip-Hop Dance Collective“-Tanzstunde bis hin zu einer Silent-Disco mit DJ Spinna gibt es für Rap-Liebhaber jeden Alters viel zu bieten.

Eines der herausragenden Ereignisse ist ein kostenloses Konzert mit Rakim und Rapsody im Damrosch Park. Rakim ist ein legendärer MC, der den Weg für technische Rap-Metaphern ebnete, während Rapsody einer der besten Geschichtenerzähler der Millennial-Generation ist. Dies wird für eine spannende Vereinigung von Old-School- und New-School-Generationen sorgen.

New York City

19. August

Das Genius „IQ/BBQ“ feiert im August seine große Rückkehr ins Queen's Knockdown Center. Zu den ganztägigen Feierlichkeiten gehören Live-Hip-Hop-Auftritte (das Line-up wird bald bekannt gegeben), DJ-Sets und „lyrisch inspirierte“ Gerichte aus New Yorker Food Trucks.

Die Veranstaltung wird in Zusammenarbeit mit Infiniti, Paco Rabanne, Patron El Alto und Paramount+ mit Showtimes „The Chi“ präsentiert.

New York City

15. September

Hip-Hop wird diesen Herbst den New Yorker Madison Square Garden für das Hip Hop Forever-Konzert erobern, das von den lokalen Radiosendern Hot 97 und WBLS-FM moderiert und von Funk Flex kuratiert wird.

Zum Line-up gehören die aus New York stammenden Rap-Stars Wu-Tang sowie Mariah Carey und Mary J. Blige – zwei Frauen, die Rap meisterhaft mit R&B und Soul vermischt haben. Weitere Acts sind Sean Paul, Maxwell, Tyrese und EPMD.

Atlanta

28.-29. Okt

Kendrick Lamar, Janet Jackson und Megan Thee Stallion werden die Headliner des diesjährigen ONE Musicfest sein, das im Piedmont Park in Atlanta stattfindet. Zu Ehren des 50-jährigen Hip-Hop-Jubiläums wird das Festival eine Sonderbühne mit Künstlern aus verschiedenen Generationen haben, darunter Nelly, KRS-One, Big Daddy Kane, Kid Capri, DJ Drama, Uncle Luke von 2 Live Crew, Lady of Rage und Too $hort .

„Die Gelegenheit zu haben, Kendrick Lamar, Janet Jackson, Megan Thee Stallion, Brent Faiyaz und andere berühmte Künstler mitten im Piedmont Park zu Gast zu haben, ist ein wahrgewordener Traum, insbesondere zum 50. Jahrestag des Hip Hop“, so Gründer J. Carter sagte in einer Erklärung. „Besser geht es nicht.“

6 unbedingt anzusehende Hip-Hop-Dokumentationen: „Hip-Hop x Siempre“, „My Mic Sounds Nice“ und mehr